这个艺术季，设计如何策展日常？-企业头条

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这个艺术季，设计如何策展日常？

诞生于西岸艺术与设计博览会的design /delight今年迎来第三届。作为一个聚焦可收藏设计与功能性艺术的展会，design /delight 不仅汇聚来自世界各地的设计师与作品，更将整个展会视为一场持续展开的策展实践。从参展者的选择、作品之间的并置，到空间布局与整体展览叙事，策展思维贯穿其中。不同文化背景、材料语言与创作理念在此相遇、碰撞，让设计超越单一的形态与功能，在彼此的关联中生发出新的意义。

Lune 1860, Tableau，2026年，© Lune 1860

一把来自墨西哥的锁子甲椅、一组承载乌克兰土地记忆的雕塑家具、一盏由工业管道与泰国桑皮纸制成的灯，以及一块化身雕塑的桌布。这些看似毫不相干的物件，为什么会出现在同一个展览里？

答案或许就藏在design /delight对不同创作之间关系的探索中。

Panorammma, Chainmail Chair（《锁子甲椅》）, 2021年

镀镍钢，60 × 120 × 60 厘米，© Luis Galvan

11月10日至15日，design /delight将再度于上海西岸艺术中心呈现。本届以“In Relation (to)”为主题，将目光从独立的物件转向物件之间的关系，让整个展会成为一场关于设计、空间与相遇的对话。

这个艺术季，DECO对话八组参展设计师，从他们的创作经历与作品故事出发，走近这场关于设计与生活的探索。

Lisa Mok & Ezra Silverton

Lune 1860联合创始人

ED：请分享一下你的创作历程。

Lisa Mok：我的创作之路并非一条直线。我最早从事广告和平面设计，后来涉足时尚、奢侈品、生活方式与美妆等不同领域。这些经历让我逐渐意识到，呈现事物的方式，往往决定了人们如何看待它。Lune 1860则给了我自由探索这一想法的空间。

创作时，我很少预先设想作品的最终模样。比如我们的金银丝圣诞树，灵感就来自童年回忆。小时候与家人装饰圣诞树，总会在最后撒上大把闪亮的金银丝，仿佛这样才能完成节日的魔法。多年后，我将这段记忆推向极致，用金银丝覆盖整棵圣诞树，作品收到了很好的反响。

这也是我惯常的创作方式：从微小、熟悉，甚至带有怀旧情感的事物出发，将其放大、夸张，直到人们开始以不同的眼光重新看待它。有时，最有趣的创意并不在于发明新事物，而是重新发现那些早已存在的东西。

Lune 1860, Tinsel Tree，2021年，© Lune 1860

ED：请向DECO的读者推荐一件本次展出的作品。

Lisa Mok：我想介绍整个“Tableau”（餐桌布置）系列，包含八件作品。系列始于一个简单的想法：重新想象桌布。桌布是如此熟悉而实用的日常物件，却常常只是餐桌上的背景。我想知道，如果让桌布成为视觉焦点，会发生什么？

“tableau”指的是一种无需语言便能讲述故事的构图。系列中的每件作品都借鉴了时尚、艺术或设计领域中令人熟悉的轮廓，并将其转化为极具个性的雕塑式静物。我喜欢玩味这些视觉引用，也乐于在作品中加入幽默感。毕竟，生活并不需要事事严肃。

Lune 1860, The Seventh Tableau, 2023年 © Lune 1860

ED：今年 design /delight 以“In Relation (to)”为主题，你如何理解作品与空间的关系？

Lisa Mok：谈到物件和空间的关系，我很感兴趣的是物件周围正在发生什么。餐桌是生活中再平凡不过的存在，却承载着无数故事：交谈、新友谊的萌生、不期而遇的邂逅……这些经历都成为餐桌故事的一部分。

这次在design /delight，我希望每件“Tableau”都能保有独立的个性。因此，我们将作品较为自由地分布在展览空间中，让观众按照自己的节奏穿梭、发现，并以不同方式感受每件作品。

我喜欢将每件“Tableau”想象成一个等待被完成的场景。放置其上的物品、围坐在旁的人们，甚至那些被遗留下来的东西，都会成为作品的一部分，永远不会以完全相同的方式出现第二次。正是通过与周围人的相遇和互动，每件“Tableau”才真正鲜活起来。

Lune 1860, Tableau，2026年，© Lune 1860

Maika Palazuelos

Panorammma 设计总监

ED：请分享一下你的创作历程。

Maika Palazuelos：我的专业背景是绘画与雕塑，偶然开始亲手制作家具，对设计产生了浓厚的兴趣，后来前往巴塞罗那攻读当代设计硕士学位。艺术背景始终影响着我的创作，让我不仅关注物件的功能，也重视其材料特性、象征意义与承载的叙事。

在墨西哥成长的经历则让我对材料背后的文化与历史格外敏感。我的创作通常始于一个图像、一种材料或意想不到的联想，而非具体的功能需求。我尤其着迷于介于古老与未来之间的视觉语言，以及过去的人们对未来的想象，因为其中折射着特定时代的愿望、焦虑与想象力。

通过 Panorammma，我不断探索艺术与设计、历史与未来之间的边界，希望作品既似曾相识，又带有某种陌生感，仿佛来自另一个时代或想象中的现实世界。

Panorammma, Hero Lamp（《英雄灯》）, 2021年

不锈钢、缟玛瑙石球、镀镍钢、LED灯泡、电线

128 × 30 × 30 厘米，© Panorammma

ED：请向DECO的读者推荐一件本次展出的作品。

Maika Palazuelos：我特别期待呈现的新作是《Hertzian Light Sconces》壁灯，其灵感来自我们此前创作的一对玻璃耳环。作品将珠宝精致的造型语言转化为雕塑感十足的照明物件，探索形态如何在尺度、材料与功能发生变化后，依然保留原有的特质。

壁灯由半透明树脂制成，修长的形态如同被拉伸的液滴，在时间中凝固。圆润的末端与微妙的光学折射，让静态造型产生流动的错觉。我一直对装饰、身体与建筑之间的关系很感兴趣。原本用于装点身体的亲密物件，如今转化为通过光线与空间互动的装置。

左：Panorammma, Wax Clock Altar, 2023,

©Panorammma Atelier

右：Panorammma, Chainmail Camping Stool

（《锁子甲露营凳》）， 2024年，镀镍钢，48.5 × 35 × 43 厘米，

ED：你如何理解作品之间的空间关系？这次布展有哪些特别考量？

Maika Palazuelos：近年来，我对中国风水产生了浓厚兴趣，尤其是空间与人相互影响的观念。我将人与物件的关系视为一种“空间心理分析”：我们如何布置与使用空间，往往反映着自身的习惯、记忆与潜意识。

本次展览，我们将不同时期的作品与新作共同呈现，他们的灵感来自不同领域，包括中世纪工艺、复古未来主义的想象、工业生产过程及古老仪式。我们并不刻意营造统一的场景，而是通过材料、比例与叙事之间的呼应，让作品自然展开对话，看似无关的物件也会因彼此相邻而产生意想不到的联系。

对我而言，“In Relation (to)”意味着物件并非孤立、被动的存在，而是我们感知空间时的积极参与者。或许，物件与我们、与彼此之间的对话，能够揭示一些我们尚未察觉的自我。

Panorammma, Single-Pendant Chainmail Droplet Chandelier

（《单吊坠锁子甲水滴吊灯》）, 2023年

镀镍钢、玻璃、LED面板、电线

20 × 120 厘米，© Diego Velazco

Anna & Sergii Baierzdorf

Furn Object 与 Baierzdorf Studio 联合创始人、

《The Land Within》策展人

ED：请分享一下你的创作历程。

Anna & Sergii Baierzdorf：我们成长于一个充满机遇与快速变化的时代，这让我们学会质疑既有的边界，并从材料中发现新的可能。建筑学背景赋予我们对形式、比例与构图的理解，但我们从不认为功能必须凌驾于其他要素之上。

作为双人创作小组，我们的设计始终是一场持续的对话。一个人提出想法，另一个人则从不同角度继续发展，让作品不断演变。童年记忆、旅行见闻、自然观察，以及对珠宝、古董和艺术的兴趣，都以意想不到的方式融入创作。

左：Furn Object, The Island Table（《孤岛桌》）, 2026年

不锈钢、玻璃

45 × 68 × 80 厘米, © Furn Object

右：Furn Object, The Gate Mirror（《扉镜》）, 2026年

不锈钢、玻璃

160 × 80 厘米，© Furn Object

ED：请向DECO的读者推荐一件本次展出的作品。

Anna & Sergii Baierzdorf：我们想推荐Furn Object最新“界门”系列中的《孤岛桌》（Island Table）。它的形态仿佛从一个起点向外延展，如流水般向下舒展。作品结合金属与艺术玻璃，厚重的金属呈现出柔和的视觉质感，而玻璃则营造出深邃的空间感，仿佛透过其表面便能窥见另一个世界。

“界门”系列对我们而言有着特殊的情感意义。它源于一种经历：有些珍视的地方已无法亲身重返，却依然能够通过记忆回到那里。我们希望借由这些物件，在外部现实与内心世界之间建立一条通道，让那些关于故土的记忆，以及随之而来的安全感，得以延续。

左：Natalie Dubrovska, EPHEME, 2026年

不锈钢、玻璃

75 × 60 × 100 厘米，© Natalie Dubrovska

右：TEMPPROJECT, KRYV STRATA（椅子与桌子）,2026年

3D打印、铜涂层

ED：今年design /delight以“In Relation (to)”为主题。你们对展览《The Land Within》中的空间设计有哪些特别考量？

Anna & Sergii Baierzdorf：对我们而言，“In Relation (to)”首先关乎人与土地的关系：故乡的风景如何留存在记忆中，又如何通过创作获得新的表达。本次《The Land Within》邀请了多位乌克兰设计师共同参与，呈现各自与故土的联系。展览空间以乌克兰南部草原及金伯恩沙嘴为灵感，运用沙石营造一片共享的景观。

Furn Object以物件作为连接现实与想象的通道；Nataliia Dubrovska将脆弱纤细的植物形态转化为玻璃作品，唤起季节更迭时土地之下的生命力；TEMPPROJECT从土地承载的记忆中汲取灵感；Yelyzaveta Rudenok / Doinshapes探索身份认同，以及人与地域之间的联系；ZEMNA则将薄雾般的朦胧感、有机形态与生命的延续融为一体。

我们希望这些作品既保有独立的声音，也能共同构成一片心中的风景，邀请观众短暂走入我们所承载的记忆与故乡。

左：Yelyzaveta Rudenok / Doinshapes，

Rootless Side Table，

2025年，椴木、白色水洗聚氨酯涂层

76 × 53 × 46 厘米，© Yelyzaveta Rudenok / Doinshapes

右：ZEMNA, TUMAN Lounge Chair,

2024年，面料

180 × 56 × 90 厘米, © Valerie Levanova

潘玉玮&景天芳

random clichés联合创始人

ED：请分享一下你的创作历程。

潘玉玮&景天芳：random clichés的创作一直围绕着日常生活中那些反复出现、却较少被留意的图像或场景展开。比起某种明确的风格，我们更常从生活中积累的混杂印象出发：不同居所里的装饰习惯、似曾相识的家具轮廓，以及那些很难追溯出处的图案。

创作通常从观看开始。门框、窗帘、仿木纹或一条装饰线，这些看似平实的细节，都可能成为一个项目的起点。我们感兴趣的并不是为这些元素寻找“正确”的出处，而是它们如何在不断复制、替代和挪用的过程中，逐渐构成关于“家”的共同想象。通过改变材料、比例与呈现方式，我们尝试让熟悉的图像脱离原本的语境，再以另一种形式回到日常生活中，建立新的关系。

左：random clichés工作室

右：random clichés，《仿玉石镜》，

《House of Clichés》系列，

2023年，树脂、玻璃镜，58 × 82 × 4 厘米，

ED：请向DECO的读者推荐一件本次展出的作品。

潘玉玮&景天芳：这次展出的新系列《Shape of a View》关注视线如何截取居所中的景象，以及室内与室外等不同属性的空间，如何通过门、窗或镜子这些具有中间性质的物件发生转换。

通常我们倾向于使用比较明确、具象的符号来描述场景，而这面镜子算是一次不同的尝试。作品以简单的几何分割暗示一扇窗，局部的蓝色指向窗外的自然景象，再结合手工刷出的仿木纹，让不同属性的图像出现在同一个画面中。

我们挺喜欢这种没有把场景描述得过于完整的方式。它保留了窗与风景的线索，也暗示着室内外空间的交界，却不需要还原一个具体的场景，也是这个系列里更轻盈的一次尝试。

左：random clichés,

Shape of a View: A Window I（《视线的形状：窗 I》）, 2026年

桦木海洋板、玻璃镜、UV打印、丙烯颜料

85 × 60 厘米

右：random clichés,

Shape of a View: A Doorway III（《视线的形状：门 III》）, 2026年

桦木海洋板、玻璃镜、UV打印、丙烯颜料

71 × 56 厘米

ED：今年design /delight的主题是“In Relation (to)”，你如何理解作品和作品之间的空间关系，这次的布展有哪些特别的考量？

潘玉玮&景天芳：这次《Shape of a View》的主题与 design /delight 的“In Relation (to)”恰好有一些呼应。我们将“view”理解为被观看、被视线截取的景象：空间中的门、窗、墙角和装饰细节，原本各有自己的位置，却可能在某个观看角度下相互重叠、镶嵌，组成新的画面。这也是对物品与场景之间关系的讨论。

在布展时，我们希望将这些从不同空间中提取出的碎片重新联系起来。整体的空间安排遵循着从室外逐渐进入室内的线索，而作品中的图像又将观众引向不同的场景。这些带有图像属性的物件既可以被独立观看，也可以通过彼此的并置与镜面反射产生新的视觉联系，使不同的空间与场景在同一个展场中交织。

random clichés,

Shape of a View: A Curtain I（《视线的形状：帘幕 I》）, 2026年

桦木海洋板、玻璃镜、UV打印

40 × 90 厘米

Teo Rhe & Sheyang Li

Bureau Parso 联合创始人

第三届design /delight form:a策展人

ED：请介绍一下你们的设计实践。

Teo Rhe & Sheyang Li：我们是 Bureau Parso，由Teo Rhe 和 Sheyang Li共同创立于荷兰埃因霍温，创作涵盖家具、物件与展览策划，关注材料、肌理及物件与环境之间的关系。

Teo 拥有韩国文化背景，Sheyang则具有法国与中国香港的跨文化经历。不同的成长背景让我们从各自的视角观察事物，也不断挑战彼此习以为常的想法。我们的创作往往在持续的交流中逐渐成形，让熟悉的事物呈现新的可能。

我们的策展实践最初源于邀请朋友一起参展，后来逐渐成为创作的重要部分。对我们而言，设计物件与策划展览有着相似之处：都在思考事物如何相遇、被感知，以及由此产生怎样的交流。好奇心、友谊与自由实验的精神始终贯穿其中。

左：Andee Ashelman，《格灯》，2026年

铁丝网、宣纸，15 × 15 × 23 厘米

©Andee Ashelman

右：黄宇萱，《捕梦系列台灯（七号）》，2026年

回收旧红杉木、松木、纸、竹、虫胶、矿物颜料、LED 组件，

40 × 29 × 18 厘米

ED：作为本届 form:a的策展人，你们选择参展设计师的标准是什么？他们的作品有哪些独特之处？

Teo Rhe & Sheyang Li：我们希望邀请在材料、形式、肌理与制作方式上具有不同探索方向的设计师。这些作品让人想要了解其背后的创作思考，以及设计师独特的创作方式。

参展设计师与亚洲都有着各不相同的文化连接与个人经历。我们希望呈现这些差异性，并且尤其关注设计师如何结合当代生活与自身经验，重新诠释这些文化元素。最令我们欣赏的是他们勇于实验的精神，每位设计师都为展览带来了独特的创作个性。

在选择作品时，我们不仅关注单件创作的特质，也思考它们相遇后会产生怎样的联系。我们希望每件作品都能保有独立的表达，同时与其他作品展开对话。正是这些差异，构成了整个展览的起点。

左：鄭韓知洙，《饼干钟》，2025年

樱桃木，3.75 × 35.5 × 35.5 厘米

©apt49c

右：studio soslow,《风筝落地灯01》, 2023年

竹、手工纸

140 × 35 × 35 厘米

ED：今年 design /delight 以“In Relation (to)”为主题。你们如何通过策展与空间设计回应这一主题？

Teo Rhe & Sheyang Li：我们将 form:a构想为一个共享的居住空间，让家具、日常物件与雕塑作品共同融入生活场景。每件作品都有自己的文化背景、材料语言与制作过程，而我们关注的是，当这些独立的故事相遇，会产生怎样的新联系。

空间布局围绕尺度、材料、功能与氛围展开。作品之间的距离、相邻关系，以及它们与身体的互动，都可能改变观众的感知。熟悉的居家环境为观众提供了进入展览的起点，而不同设计师的表达则为其中增添意想不到的变化。

我们的角色是为这些关系的发生创造条件。有些联系源于作品的并置，有些则来自观众自身的经验与联想。我们希望为两者都留下空间。

左：Studio Kallang,《椰丝球置物架，哑光黑》, 2022年

实心柚木

86 × 120 × 38 厘米

右：WANNAS,《侘寂 08》，2022年

木材、黄铜，24 × 24 × 20厘米

Justin Dirkx Khuadprakhon

Architectural Appetite 创始人

ED：请分享一下你的创作历程。

Justin Dirkx Khuadprakhon：我成长于荷兰与泰国两种文化之间，这种混合的文化背景始终影响着我看待事物的方式。由于无法完全归属于某一种传统，我的创作也游走于建筑、艺术与设计之间，不将它们视为独立的学科，而是一种跨越界限的实践。

我关注材料、归属感及制作过程背后的社会议题。创作通常从一件现成物品或标准化的工业构件开始，尝试将其与手工制作或带有文化意义的材料重新组合。“juxta”系列正源于这样的实验：通过手工改造回收的工业部件，让原本冰冷、标准化的物件呈现出亲密的特质。我始终思考的是，物件如何在人与人、不同文化及制作传统之间建立联系。

左：Architectural Appetite, Paper Steel Light No. 4,

2026年

和纸、不锈钢管道、夹具、电线、灯泡及开关

右：Architectural Appetite, Paper Steel Light No.2-5-6-7-8-9,

2024–2026,

和纸、不锈钢管道、夹具、电线、灯泡及开关，

ED：请向 ELLE DECO 的读者推荐一件本次展出的作品。

Justin Dirkx Khuadprakhon：我想推荐“juxta”系列中的《纸钢灯》落地灯。作品以回收的工业通风管道为结构，搭配手工制作的纸质灯罩，将标准化的工业部件与细腻的传统手工艺结合。

我希望探索各种文化中的造纸传统，部分作品采用泰国手工桑皮纸，其独特的肌理、透光性与文化背景，为灯具带来了独特的表达。我感兴趣的正是现成物与手工制品、坚固结构与轻盈材料之间的反差。

左：Marie Vilay, Naga Screen, 2026年

钢、不锈钢结构、亚麻、棉、科技纱、反光纱

右：Marie Vilay, To Read a Pattern, 2025年

亚麻、棉、科技纱、反光纱

ED：今年 design /delight 以“In Relation (to)”为主题。你与Marie Vilay的合作展览中对空间有哪些特别的考量？

Justin Dirkx Khuadprakhon：在design /delight中，我与Marie Vilay将展位构想为一片森林：灯具如树木般立于地面，织物与其他形态则从上方垂落。我们希望空间随着观众的行走逐渐展开，而不是让所有作品一览无余。

“juxta”灯具与《解读图案》织物作品相邻呈现，通过材料、尺度的对比，以及对文化身份和离散经验的共同关注，形成彼此间的对话。我们还共同设计了一件放置在展位中央的全新展示装置，作为整个空间的视觉与结构核心。观众可以在其中自由穿行，近距离感受和触摸作品。对我们而言，“关系”并非静止的状态，而是在行走与互动中，于物件之间、人与作品之间，以及我们各自不同的创作实践之间不断生成。

左：艺术家与材料研究者张一晗（Yihan Zhang），

含光（Glance Han）创始人

右：纤维艺术家费菲（Toscana Fei），

之间创始人

ED：请分享一下你的创作历程。

张一晗&费菲：Toscana拥有历史学背景，关注纤维材料的符号语言与文化记忆；一晗则通过长期的手工艺田野考察，对人类学产生了浓厚兴趣，关注材料在不同文化、生态与社会语境中的生成和使用。

我们经常分享哲学与人类学相关的阅读，这次合作便始于对段义孚《空间与地方》的一次讨论：人的实践与空间密不可分，空间也会改变事物的属性。

我们都成长于城市（上海、杭州），若尔盖草原的游牧生活与熟悉的都市环境形成了鲜明对照。田野是我们最为重要的创作方法，我们走访当地牧民，了解他们对家与空间的理解，观察妇女如何通过编织和日常劳作使用材料。这些真实的生活经验，成为此次创作的重要起点。

Glance Han × Toscana Fei, Sbra（《热》）, 2026年

黑陶、黑帐篷布、羊毛线、灯

170 × 35 × 35 厘米

ED：请向DECO的读者推荐一件本次展出的作品。

张一晗&费菲：我们想介绍的是这次的主装置《热.Sbra.》。“热”是黑帐篷的最小模块单元(帐篷布织物)在藏语里的音译，英文写作“Sbra”。若尔盖的草原游牧者将黑帐篷视为一种“可移动的家”，他们的生活也围绕着黑帐篷展开。黑帐篷可以被理解为藏区游牧文明的家与信仰的空间，一个物理载体。由牦牛毛织造而成的“热”，则是其生生不息的精神内核。

这组灯具试图探讨现代都市人在被“格式化”和“边缘化”的生活中，如何寻找一处可以栖息的心灵缝隙。我们剥离了黑帐篷原本的土壤，将其解构并置入当代语境之中。在这个被高度理性与物欲逐渐“冷却”的现代文明中，我们希望用 “热” 的材料记忆与精神印记，重新去“加热”空间，唤醒人们内心深处的温度与具身性体验。

Glance Han × Toscana Fei, Sbra（《热》）, 2026年

黑陶、黑帐篷布、羊毛线、灯

170 × 35 × 35 厘米

ED：你们如何理解作品之间的空间关系？这次布展有哪些特别考量？

张一晗&费菲：首先，若尔盖的田野之行是我们这一次非常重要的创作经历，因此在空间之中，我们用黑帐篷作基底，选择了一些田野历程的图片与创作图片陈列在上。

其次，我们在作品与空间之中最想讲述的“关系”，是一种色彩世界观：在我们接触的藏族文化叙事中，白色代表着男性，红色代表着女性，黑色则源自牦牛的身体……黑色的帐篷是一个被放大的空间，白色的牦牛⻣在帐篷使用中最不起眼，却留下了最多的痕迹，红色里有强大的女性生育力量，象征出生与死亡的轮回，却又隐形不⻅。

另一层关系，则是材料本身展示的轻重关系，黑陶很重，牧⺠每日清晨于黑帐篷的家⻔口煨桑，黑陶罐里上升的烟雾轻飘飘的。牦牛毛很轻，织造“热”的手来自女性柔软的力量，织好的布却额外结实、韧性强大。在此之中的“轻与重”形成一组有趣的材料对话。

陈蔚然（Wenny Chen）与郁飞（Marco Yu）

Swirl Up创始人

ED：请分享一下你的创作历程。

陈蔚然&郁飞：我们两个人经历很不一样，一个科班一路学习工业设计，一个从别的领域靠自学转入视觉设计行业，我们在BMW Designworks工作时遇到，也逐渐意识到彼此都不太想从“先做一把椅子或一盏灯”这种既定分类开始，更希望从材料、结构或一个命题出发，再去讨论功能和情绪怎么落地。

Swirl Up对我们来说更像一个以材料和可持续为中心的实验室，每个项目都是从这个角度慢慢长出来的。《Sculpting Sounds》也是这样开始的，我们最开始是以空间中的一对发声雕塑为命题去创作形态，在工艺上，我们尝试在3D打印的路径结构和金属焊接的形式上做突破，在遇到声学与造型相互制约时不断调整，找到相对平衡的点。

Swirl Up & fonoco audio 展位效果图

ED：请向DECO的读者推荐一件本次展出的作品。

陈蔚然&郁飞：这次我们带来的是《Sculpting Sounds》中的两件，Pose 和 Totem。它们一高一沉，一个更纤细、更有节奏感，一个更厚重、更有力量感，走到它们之间，你会看到回收材料一层层的纹理在光下的细微变化，也能听到它们的声音怎样落在空间里。至于它们彼此的呼应和声场里的对比，我们更希望读者能来到现场，慢慢自己通过身体和感官感受。